Джозеф Кошут рассказал «Ведомостям» о сути искусства

Размещаю статью из Ведомостей. Метериал 2015 года, но поднимаемые в интервью вопросы не утратили актуальности.

Е. РАЗУМНЫЙ / ВЕДОМОСТИ

Кошут приехал в Москву за 10 дней до открытия здесь своей первой большой выставки. С ним прибыли ассистенты, под неусыпным руководством художника они монтируют инсталляции из неоновых трубок. Светящиеся тексты – то, чем он занимается много лет. Кошуту семьдесят, но он энергичен и пылок, как и большинство шестидесятников. Изобретатели нового искусства, ниспровергатели буржуазных ценностей не стареют.

– Вы теоретик и философ, автор основополагающих текстов о концептуализме. Не могли бы вы коротко и просто представить себя московской публике?

– Когда я только изучал искусство, был студентом художественной школы, то считал, что мои идеи об искусстве отличаются от того, что ошибочно думают люди. Существует множество предвзятых мнений, свойственных как зрителям, так и историкам искусства. Мы воспринимаем произведение не в статике, оно меняется в море окружающих его слов. Информация формирует наше переживание в момент восприятия произведения. То есть вы смотрите на что-то через философию искусства, через то, что знаете об этом произведении.

– Например, что оно шедевр, значит, им надо восхищаться.

– Художник работает не с формой или цветом, а с идеей, со смыслом, который он вкладывает в свои цвета и формы. Когда мы говорим о модернизме, то говорим о создании художественного языка. Тогда основной вопрос – как? Как создается то или иное произведение? Однако никто не задумывался об ограничениях, которые накладывают на художника определенные медиа – будь то фотография или скульптура, – на саму работу. Тут форма несет слишком большой смысл, то есть априори полагалось, что форма и есть искусство. И если мы задумаемся о поздней эпохе модернизма, то здесь основное значение придается именно форме. В чем состоит различие модернизма и постмодернизма? Происходит сдвиг от вопроса «как?» к вопросу «почему?». Мы задаем себе этот вопрос, и нам становится не важно как – только почему. Мы задаем вопрос о процессе. И в этом основная разница между модернизмом и постмодернизмом, который создает новый смысл.

– Спасибо, вы много писали об этом…

– Еще важно задуматься, что, когда постмодернизм и концептуализм только зарождались, шла вьетнамская война. В обществе звучала критика, в том числе и американской культуры. Поэтому основное внимание уделялось не форме скульптуры или картины, а ее смыслу.

– Можно еще вопрос?

– Подождите, это только вступление. В наше время наука стала религией: если у человека есть проблемы, он идет не в церковь, а к психологу, к ученому. Однако наука не заменила религию, она не все объясняет. Она не говорит о душе, не отвечает на главные вопросы, которые ставит перед собой человек, и у нас теряется объемная картина реальности. В университетах обучение философии превращается в изучение истории философии. Мои любимые философы Витгенштейн и Ницше считали, что философия закончилась. На этом фоне происходит расцвет искусства, именно оно начинает освещать философские вопросы. Оно не предлагает мировоззренческие системы, просто художники предлагают свое переживание реальности. В этом и роль искусства. Сейчас музеев современного, не элитарного искусства становится по всему миру все больше, и это происходит именно в связи с утратой смыслов. Его и пытаются найти художники нашего времени. Понять мир, который нас окружает, – в этом и состоит роль искусства.

О выставке

Выставка Amneziya откроется 22 апреля. Она состоит из двух частей. В ретроспективную войдут работы Кошута с неоновыми надписями. Вторую часть составят инсталляции «Тексты для ничего» и «Улисс, 18 названий и часов» по роману Джеймса Джойса.

– Спасибо за такой развернутый ответ.

– Подвожу итог сказанному. Наше общество подвержено давлению двух сил – бизнесменов, преследующих выгоду, и политиков, которые хотят сохранить свою власть. У тех и других – краткосрочные цели. Поэтому основная угроза нашему обществу – это корпоративная культура. Культура корпораций пытается свести все к цифрам, к рыночным ценностям. Единственные люди, которые привержены долгосрочным целям, – это художники, интеллектуалы. Только они смогут поддерживать общество в нужном состоянии. Поэтому очень важна свобода мысли и слова, только это позволит обществу выжить. Поэтому так важна роль художника. Ну теперь ваша очередь, говорите.

– Вы и ваше поколение хоронили модернизм, теперь многие считают, что время концептуализма прошло – он сух, назидателен и скучен…

– И не может конкурировать с Диснеем! Искусство не должно быть развлечением. Не в этом его роль. Как только в 60-х гг. концептуализм зародился, то люди рынка предрекали ему быстрый конец. Но он продолжается и сейчас, и нас по-прежнему воспринимают как опасность. Потому что принципы и подходы концептуального искусства продолжают использоваться и новыми поколениями художников. В концептуальном искусстве нет заданных рамок, приверженности особым формам, цветам, иконографии. Всегда есть свобода действия. Когда мне было 25 лет, необходимо было придумать название этому направлению, чтобы мои произведения считались искусством. А сейчас никто не сомневается, что это искусство.

– Вы еще студентом стали знаменитым и до сих пор остаетесь звездой. Что бы вы пожелали молодым художникам, стремящимся к успеху?

– Я всегда преподавал, для меня это важно. Своих студентов я разделяю на две группы. Те, кто хочет быть знаменитым, и те, кто хочет быть богатым. Стремящимся к деньгам я ничем не могу помочь, а стремиться к славе не зазорно, это значит, что ты хочешь чего-то достичь. Таким я объясняю, что недостаточно создать новое произведение искусства, важно дать новую идею об искусстве. Новая идея должна отражать твое собственное поколение и окружающую тебя реальность. Тогда твои работы обретут силу подлинности, свойственную произведениям, которые мы видим в музее. Задача будущего – борьба с корпоративной культурой, с попыткой свести все к деньгам. Против этого должны выступать художники.

Реклама

Модернизм без манифеста

Я в восхитительном настроении, дорогой фейсбук, после посещения выставки «Модернизм без манифеста» с группой COLOR TRIP club / travel & art.
 
На выставке представлена часть коллекции Романа Бабичева. Собрание Романа Бабичева — это крупная личная коллекция отечественного искусства (более 4000 произведений) и новое слово в дискуссии о проблеме модернизма в советском искусстве.
 
Меня зацепило сочетание живописных произведений и скульптуры, сейчас так редко показывают. А также структура самой экспозиции. Хоть кураторы и пытались выстроить какую искусствоведческую логику, но скорее это логика коллекционера. Произведения живут в пространстве залов, взаимодействуют друг с другом, не пытаясь выстоится во временную или стилевую классификацию. В этом есть своя увлекательная игра и беседа со зрителем.
 
Огромное спасибо за экскурсию Кириллу Светлякову. Как всегда мое восхищение его подачей материала, глубиной знаний, историями из жизни художников.Экскурсия с Кириллом как дайвинг, когда искусство оказывается вокруг тебя и ты ощущаешь его каждой клеточкой.
 
Выставка продлится до 20 ноября по адресу: Петровка, 25. Всем любителям искусства рекомендую!

Иконостас советского интеллигента

Художник Дмитрий Гутов — о творчестве и идеях Ильи Глазунова

Валентин Мастюков / ТАСС

9 июля в Москве на 88-м году жизни умер Илья Глазунов — народный художник СССР, общественный деятель, мыслитель, основатель и ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества. По просьбе «Медузы» о творчестве Глазунова, его идеях и влиянии на российскую культуру рассказал художник и теоретик искусства Дмитрий Гутов.

Илья Глазунов оказался художником, заполнившим собой огромное вакуумное поле. Можно сказать, что, подобно богам Эпикура, он пребывает в межмировых пространствах. С одной стороны, есть профессиональная среда историков искусства, которая его просто не замечала. Студенту искусствоведческого факультета на экзамене по русскому искусству ХХ и ХХI веков приходится запоминать десятки имен художников — имя Глазунова там не могло и не может встретиться никогда. В том сообществе, где годами изучают грамоту академического рисунка, законы перспективы, цветовой гармонии, анатомии, композиционного построения, технику лессировок, творчество его не обсуждается. Под словом «реализм» здесь понимается нечто иное, к чему полотна Глазунова не могут иметь никакого отношения.

Читать далее «Иконостас советского интеллигента»

«Москва» переехала в Сочи

Картина «Набережная Москвы-реки», благодаря сотрудничеству с галереей art-ICON, переехала в теплый Сочи. Теперь жду фотографии картины в интерьере, потому что по словам галерейщицы, картина куплена дизайнером для своих клиентов их дома.

Продажа картин дает стимул писать новые, как не смешно это звучит. Ведь лучший способ похвалить труд художника – это купить у него картину.

Диалог Петра Авена и Владимира Дубосарского

Кандинский и Шагал, Гончарова и Ларионов, Кончаловский и Петров-Водкин, Серов и Коровин, Лентулов и Судейкин, Серебрякова и Анненков, Древин и Удальцова — лишь часть списка знаменитых русских художников, входящих в коллекцию Петра Авена. Председателю совета директоров «Альфа-Банка», номеру 24 в списке двухсот богатейших бизнесменов России 2017 по версии русского Forbes, меценату и футбольному болельщику со стажем удалось собрать впечатляющее собрание — от мирискусников до «Бубнового валета».

Произведения из коллекции принимали участие во многих музейных выставках, в том числе в Еврейском музее и центре толерантности и ГМИИ им. А. С. Пушкина, лондонской галерее Тейт и Королевской академии, в венском Бельведере и нью-йоркском Музее современного искусства МоМА.

Петр Авен рассказал ARTANDHOUSES о своей мечте об открытии частного музея, многочисленных и разнообразных собраниях, своей коллекции современного российского искусства и проблемах отечественных художников в мировом контексте. Читать далее «Диалог Петра Авена и Владимира Дубосарского»

Вермеер и Леонардо в кимоно.

Японский виртуоз Футаро Мицуки переосмысливает классику.

В каких только вариациях не представляли героиню Вермеера, но так, чтобы без сережки?! Все равно что Мона Лиза без улыбки… Впрочем, Футаро Мицуки выбрал весьма изящный ход, чтобы привлечь внимание к своему весьма достойному творчеству.
Имя Футаро Мицуки (Futaro Mitsuki), родившегося в Токио в 1970 году и получившего профессиональное образование в Токийском национальном университете изобразительных искусств и музыки, громко прозвучало в 2016 году. Работы художника были представлены галереей Gallery Kogure на престижной ярмарке современного искусства Art Basel в разделе Volta 12, посвященному молодым перспективным художникам.

Читать далее «Вермеер и Леонардо в кимоно.»

«Пионы. Серебро» для молодожёнов

Приятно, когда картины обретают свой дом. Картина «Пионы. Серебро», благодаря дизайнеру Галине Захлевной и её дизайн-студии «Art-vision», уютно устроилась в спальне молодоженов. Долгих и счастливых лет совместной жизни желаю я молодым и надеюсь, моя картина им в этом поможет.

Пионы – символ семейного счастья .И я писала цветы, освещенные солнцем, пытаясь вложить в каждое движение кисти доброту и любовь.

Продана и подарена!

Оргкомитет #МИШ #IRS дарит картину Наталия Ворошилова (Natalia Voroshilova) ректору #МАН Василию Климовичу Павлову.

Очень приятно знать, что картину купили не просто в подарок, а как символ  исследовательской деятельности детей. Картина «Мечтатель», холст, масло, 2015 г.

рарл

Проданы три картины

Проданы три картины, если точнее этюды разных лет. Покупателей не знаю, но надеюсь они выбрали эти картины по любви. Спасибо, Арт-галерея Дача, за сотрудничество. Удачи вам и процветания!


Арт-галерея Дача проводит воскресные аукционы. Приглашаю всех желающих, там интересно.
Адрес: Московская обл. Одинцовский район. деревня Жуковка, дом 70
тел: +7(495)635-28-67
Илья Вавилов +79166715754
e-mail: art@gallery-dacha.ru

Цветы в солнечном свете

Удивительно, но такая небольшая коллекция, состоящая всего из семи картин, создавалась около года. Цветы — прекрасные творения природы давно интересуют художников, и я не исключение. Я много писала цветы на пленэре, в мастерской, пыталась передать их красоту, нежность, чувственность. В 2005 году я написала несколько крупно-форматных картин с цветами, как говорят фотографы, в режиме макросъемки, т.е. очень увеличенные.

И вот спустя 11 лет я вернулась к этой теме, но стала разрабатывать её по-новому. Мне хотелось передать ощущение солнечного света и воздуха, окутывающих бутоны и листья – цветы в природе, в своей естественной среде обитания. Для создания нужного визуального эффекта я решила использовать необычный для живописи материал – поталь. Покрывая фрагменты фона золотом или серебром, я стремилась как-будто сохранить солнечные блики на холсте. Благодаря переливам света на металлизированной поверхности удалось достигнуть нужного эффекта. Картины живут, дышат, свет пульсирует на поверхности холста, фон меняется от светлого к темному при разном освещении.