Диалог Петра Авена и Владимира Дубосарского

Кандинский и Шагал, Гончарова и Ларионов, Кончаловский и Петров-Водкин, Серов и Коровин, Лентулов и Судейкин, Серебрякова и Анненков, Древин и Удальцова — лишь часть списка знаменитых русских художников, входящих в коллекцию Петра Авена. Председателю совета директоров «Альфа-Банка», номеру 24 в списке двухсот богатейших бизнесменов России 2017 по версии русского Forbes, меценату и футбольному болельщику со стажем удалось собрать впечатляющее собрание — от мирискусников до «Бубнового валета».

Произведения из коллекции принимали участие во многих музейных выставках, в том числе в Еврейском музее и центре толерантности и ГМИИ им. А. С. Пушкина, лондонской галерее Тейт и Королевской академии, в венском Бельведере и нью-йоркском Музее современного искусства МоМА.

Петр Авен рассказал ARTANDHOUSES о своей мечте об открытии частного музея, многочисленных и разнообразных собраниях, своей коллекции современного российского искусства и проблемах отечественных художников в мировом контексте. Читать далее

Реклама

Как выживает современное искусство за пределами столиц

Статья 

В Государственном центре современного искусства в Москве открылась выставка номинантов на премию «Инновация», в фокусе которой, при отсутствии центральной номинации, оказались «Региональный проект» и «Новая генерация». Из пяти региональных проектов, выдвинутых в этом году на премию, четыре имеют прямое отношение к деятельности ГЦСИ. В связи с этим TANR решила вспомнить, кто поддерживает жизнь современного искусства вдали от двух главных центров художественной жизни — Москвы и Санкт-Петербурга. Оказалось, что большую роль в развитии местной сцены играют галереи. Как в 1990-е годы в столице, они нередко оказываются единственной городской площадкой, показывающей современное искусство, а заодно и образовательным центром, и часто единственным коммерческим пространством, призванным создать в городе или регионе рыночную ситуацию. Мы собрали семь самых заметных региональных галерей современного искусства.


Х.Л.А.М., Воронеж

Название первой в Воронеже галереи расшифровывается как «Художники, литераторы, артисты, музыканты» и отсылает к литературному кафе, существовавшему в начале ХХ века в Киеве. Воронежская галерея возникла в 2008 году. Ее создатель Алексей Горбунов интересовался современным искусством с 1970-х годов, но пространство удалось получить только в 2003-м, а сделать в нем галерею — лишь спустя пять лет. С 2009 по 2014 год, по его словам, случались редкие продажи, а цены варьировались от 20 до 1 тыс. у.е.; сейчас продажи прекратились совсем.

«При открытии галереи Х.Л.А.М. я прекрасно понимал, что работать придется на энтузиазме, экспонируемое искусство будет практически непродаваемым, а при общем консервативном повороте — тем более. Но отсутствие рыночной перспективы, конечно, не означает необходимость сворачивания. Я отдаю себе отчет в происходящем, и Х.Л.А.М. будет продолжать свою деятельность. Современное искусство, как известно, дает ощущение свободы», — комментирует Алексей Горбунов.

Галерея показывает как воронежских художников старшего поколения, самый известный из них — Сергей Горшков, так и более молодых художников. Например, на прошлогодней ярмарке Cosmoscow на стенде галереи были представлены лауреаты премии «Инновация» разных лет Арсений Жиляев и Илья Долгов.

«Наши художники признаны в столицах и за рубежом, но не в Воронеже. В Воронеже наших художников, за редким исключением, не приглашают выставляться в музеи или на других площадках, ни одного коллекционера здесь не появилось. Главной трудностью или, скорее, препятствием для развития современного искусства, на мой взгляд, является отнюдь не недостаток у кого-то там денег, и даже не консервативное художественное образование и неосведомленность, а простая человеческая пошлость. Повсюду доминирует самодовольное, величественное отношение к искусству. С этим ничего не поделаешь, так как пошлость, скорее всего, более жизненна, вульгарность — явление всемирное. Мне приходилось видеть в России очень мало людей, испытывающих личную и искреннюю потребность в новейшем искусстве. Причем — что очень важно — людей, которые не являются при этом ни художниками, ни дилерами, ни специальными обозревателями», — отмечает Горбунов.

Появление галереи Х.Л.А.М способствовало развитию искусства и художественных институций в Воронеже. Спустя год после ее открытия в городе прошла выставка «Дальше действовать будем мы!», организованная Воронежским центром современного искусства (ВЦСИ) — инициативой Ильи Долгова, Арсения Жиляева, Николая Алексеева и Ивана Горшкова, существующей до сих пор.


Red Gift, Краснодар

Галерея Red Gift была задумана как продолжение деятельности художественной группировки ЗИП по созданию в родном городе привычной культурной среды. До появления галереи в Краснодаре уже несколько лет активно работал некоммерческий культурный центр «Типография», выросший из Краснодарского института современного искусства (КИСИ), основанного художниками ЗИП в собственной мастерской в одном из цехов заброшенной типографии. «Типографию» в последние несколько лет поддерживали два мецената — Николай Мороз и Евгений Руденко. Целью создания Red Gift было формирование арт-рынка в регионе, то есть создание ситуации, когда люди, желающие приобрести искусство, знают, куда им можно обратиться.

Пока что в Red Gift прошло всего две выставки, ее создатели планируют показывать больше живописных работ, которые лучше покупают. Главная сложность, по словам участника ЗИП и одного из создателей Red Gift Эльдара Ганеева, состоит в привлечении в галерею не только молодых людей, которые и без того активно посещают «Типографию», но и «платежеспособных посетителей». По его мнению, коллекционерами могли бы стать «какие-то местные бизнесмены, которые вдруг полюбят или как-то придут к пониманию современного искусства».


«Виктория», Самара

Галерея «Виктория» была основана Леонидом Михельсоном в 2005 году, за четыре года до создания его же фонда «Виктория — искусство быть современным» (V-A-C). Галерея активно сотрудничает с местными авторами — в разное время в ее выставках участвовали родившиеся в Самаре Андрей Сяйлев, Света Шуваева, Владимир Логутов и Александр Веревкин. Кроме поддержки художников, галерея выполняет просветительские функции, там часто проходят привозные выставки из столичных музеев или из их собраний.

Арт-директор галереи Виолетта Вехаева так комментирует соотношение рыночной и просветительской задач галереи: «Пока для нас первична культуртрегерская функция. В галерее проходит много образовательных проектов. Надеемся, что эти проекты косвенно влияют на развитие рынка и помогут вырастить зрителя, способного не только воспринимать искусство, но и в дальнейшем его приобретать. В провинции с рынком современного искусства сложно. На современное искусство не только отсутствует спрос, но и адекватного предложения тоже нет. Образованные молодые люди ценят современное искусство, но не могут его себе позволить. Цена за работу самарского современного художника в несколько раз превышают средний ежемесячный доход. Для экспериментального искусства это очень дорого, и люди не решаются тратить на него много денег. Поэтому неудивительно, что основная масса людей предпочитает картины, выполненные в традиционной манере, потому что качество такой работы им проще оценить. Например, самарские коллекционеры предпочитают художников-шестидесятников, так как работы многих из них уже хранятся в местных музеях и прошли экспертную оценку искусствоведов. Поэтому продажи случаются очень редко. Художников современных приобретают иностранные гости или москвичи».


Ural Vision Gallery, Екатеринбург

Ural Vision Gallery появилась в Екатеринбурге в 2012 году, ее основали бизнесмены Алла и Виктор Лощенко. В первый год галерея сотрудничала с Мариной Гисич, что позволило показать работы Евгения Юфита, Ольги Тобрелутс, Виталия Пушницкого и других известных авторов. Галерея довольно активно участвует в ярмарках — ездила на CosmoscowViennafair и Artefiera в Болонье, а также недавно расширилась и открыла филиал в Будапеште.

«За время своего существования UVG Art Gallery собрала вокруг себя круг коллекционеров и любителей современного искусства, поэтому продажи в галерее есть даже во время кризиса. В то же время галерея выполняет культурные задачи, так как многие современные художники Санкт-Петербурга и Москвы впервые были показаны в Екатеринбурге благодаря UVG Art Gallery», — говорит арт-директор галереи Марина Альвитр. Галерея привозила не только работы российских авторов, но и зарубежных художников: например, в 2013 году там проходила выставка Тони Крэгга.


«Свитер», Екатеринбург

Галерея уличного искусства «Свитер» появилась в Екатеринбурге два года назад. Основной целью ее основателей — Степана Тропина и Алины Рахматулиной — было создание комфортного пространства для стритартистов, где те могли бы работать круглый год в мастерских, показывать новые работы, слушать и читать лекции. Располагается галерея в историческом здании первой половины XIX века.

«Основная наша деятельность — культурно-просветительская. Но и продажами мы планируем заняться активно. Это же чудесно, когда работа обретает новый дом! На данный момент интерес к покупкам работ возникает у людей, очень тесно связанных с искусством, например у художника, который коллекционирует работы интересных ему авторов», — говорит Алина Рахматулина. Галерея сотрудничает с местными авторами, способствуя развитию искусства в регионе.


16th Line, Ростов-на-Дону

Первоначально 16th Line, расположенная на территории бывшей макаронной фабрики, задумывалась как выставочное пространство, объединенное с винотекой, однако галерею удалось открыть раньше — в 2009 году, а в 2014 году ресторан и винотека закрылись. 16th Line основал бизнесмен и коллекционер Евгений Самойлов. Сначала в ней выставляли собрания серьезных европейских галерей. В тот период 16th Line показывала в Ростове-на-Дону работы Сары Лукас, Джонатана Меезе, Зигмара Польке и других известных во всем мире авторов. Потом Елена Олейникова попросила управляющего директора галереи и арт-центра «Макаронка» Татьяну Проворову помочь отобрать в Ростове группу художников для «Культурного альянса» (фестиваль «Белые ночи в Перми»). С тех пор галерея занялась ростовскими художниками, стала возить их на международные ярмарки, сделала ряд персональных выставок, дала возможность работать в мастерских на «Макаронке».

«Кстати, там же на „Макаронке“ ребята уже сами организовали творческие мастерские „Турнички“ (организатор — Лейли Асланова). С Лейли мы сделали в 2014 году серьезный обзорный проект про ростовское современное искусство с 60-х годов ХХ века до наших дней. Проект был показан в музее PERMM», — рассказывает Татьяна Проворова.

Как и все галереи из нашего списка, 16th Line совмещает несколько задач: просвещение, развитие арт-рынка и поддержка местных художников. В 2015 году для некоммерческих проектов был создан Фонд развития современного искусства и культуры «Дон», а за два года до этого появилось некоммерческое выставочное пространство «Макаронка», что, по словам Проворовой, позволит галерее заняться более коммерческими проектами.


«Толк», Нижний Новгород

Первая галерея в Нижнем Новгороде, «Толк» появилась благодаря знакомству круга уличных художников (Андрей Оленев, команда «Той» и художественный коллектив Muddlehood) с бизнесменом Рустамом Коренченко, который был впечатлен их работами в городе. Особенность художников «Толка» в том, что они не только работают на улице, но и отлично чувствуют себя в галерейном пространстве: создают живописные работы, графику, шелкографии и инсталляции.

В галерее проходили выставки как местных авторов, так и художников из Москвы, Петербурга, из Израиля и Швейцарии; в Ночь музеев французский арт-коллектив представил 24-часовой перформанс по поэме Введенского. Кроме выставок в собственном пространстве, галерея стремится выставляться и на других площадках. В частности, в прошлом году в Москве в галерее «Нагорная» прошла большая групповая выставка «Нижегородские романтики», а холст «Грехи» команды «Той» со стенда галереи на прошлой Cosmoscow приобрел в свою коллекцию аукционист Christie’s Андреас Румблер.

В ближайшем будущем «Толк» планирует расширить спектр представляемых техник и работать с декоративно-прикладным практиками. Первой в этом направлении стала выставка керамики Софии Израель «Многоэтажный мат».

«В России галерея не может быть просто магазином картин, она принимает на себя еще и бремя культурного центра», — говорит арт-директор галереи Анна Нистратова. Поэтому в «Толке» проходили всевозможные кинопоказы, лекции, круглые столы, мастер-классы и концерты. Недавно галерея вынуждена была оставить выставочное пространство на бывшем пивоваренном заводе, однако продолжает работать без постоянного места.

«Маленькое ощущение» или цена искусства

Полностью согласна с высказыванием Максима Кантора: «Искусство — единственная дисциплина, в которой результат больше, чем сумма слагаемых, сформулировал один мудрец. Это значит вот что. При создании произведения искусства художник использует техническое мастерство, оригинальный замысел, опыт, знания, труд и пр. Все это необходимо для работы — но этого недостаточно. Искусство становится искусством при возникновении чего-то иррационального. В результате работы должно случиться чудо, тогда произведение оживет. Именно об этом легенда о Пигмалионе и его ожившем творении, Галатее. Именно это пытался объяснить Сезанн, когда говорил, что самое трудное в картине — «маленькое ощущение». Это «маленькое ощущение» есть не что иное, как душа. То, что присовокупляется к вложенному художником труду, есть душа произведения. Если картина не ожила, Галатея не заговорила, значит, труд художника пропал напрасно — произведения искусства не получилось. У подлинного художника все картины — живые и разные. «Блудный сын» Рембрандта наделен иной душой, нежели «Иудейская невеста» того же мастера или «Ночной дозор». Вместе произведения Рембрандта образуют семью — но никак не совокупный продукт.»

Из статьи «Продавцы вакуума» Максима Кантора.

Хранить ли копии в музее

Просматривая записи в Фейсбуке, иногда натыкаюсь на интересные мысли. Еще интереснее, когда вдруг несколько человек с разных сторон начинают поднимать одну и ту же проблему. Совсем недавно прочитала пост Анатолия Осмоловского, где упоминалась композиция с головой свиньи Александра Плюснина.

12828565_1301134189913341_2594704142891935790_o

В обсуждении затрагивался вопрос сохранности произведения искусства. Дело в том, что голова была настоящая и протухла на второй день выставки.

Встретилась мне и заметка Кирилла Светлякова, где он пишет, что «Парадокс модернизма в том, что он очень некрасиво стареет, и при всей экономичности очень дорог в обслуживании.» Думаю, это касается не только произведений модернизма.

Я задумалась о сохранности произведений искусства и в частности этой конкретной свиной головы. Если произведение «испортилось» еще на этапе первого экспонирования, то о музейном хранении не может быть ни какой речи. Автор может сделать копию из более сохранных материалов, например, вырезать из дерева и расписать, имитируя живую плоть. В аннотации к музейному экспонату прийдется написать, что это копия с такого-то произведения, экспонировавшего тогда-то и там-то. Таким образом мы попадаем в ситуацию, когда музей хранит копию. А что мешает сделать копии с музейных произведений (картин, скульптур), а оригиналы продать для поддержания работы музея. Но если музеи хранят копии, стоит ли покупать оригиналы и сколько они будут стоить в такой ситуации.

А может посмотреть на проблему с другой стороны. Если сохранить произведение в первозданном виде в принципе не возможно, можно ли считать это произведением искусства? Ведь мы привыкли считать искусством нечто сделанное «на века». Как говорится: Жизнь быстротечна, а искусство вечно. Тогда возвращаясь к мысли Светлякова о модернизме, мы вынуждены будем все произведения модернизма и многие другие перестать считать искусством из-за их плохой сохранности.

Так хранить или не хранить? И если хранить то, что именно: оригиналы, копии, фотографии? Что является произведением искусства, т.е. предметом достойным сохранения?

Картина «Берлин. Музейный остров» продана

Картина продана. Спасибо за помощь художественному салону «Ирида». Как это обычно бывает при продаже картин через салоны и галереи, я не знаю, кто купил картину и зачем: может себе, может в подарок…

Пусть ей будет хорошо в новом доме, пусть люди радуются, глядя на мой небольшой этюд, написанный во время пленэрной поездки в Германию. Вид, правда, получился несколько французский, парижский. Но солнце у нас у всех одно 🙂

Картина Наталии Новиковой "Берлин. Музейный остров". 30х40 см, холст, масло, 2007г.

Картина Наталии Новиковой «Берлин. Музейный остров». 30х40 см, холст, масло, 2007 г.

МИФЫ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА

Сергей Заграевский,
академик, профессор, заслуженный работник культуры России

МИФЫ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА
Москва, 2015 г.
С.В. Заграевский (с) 2015

Миф первый: искусство умерло.
В России этот миф получил распространение в конце ХХ века. Логика его появления понятна: в это время страна глобально изменилась, и люди ждали коренных перемен и в искусстве (например, таких, какие в начале этого столетия были порождены Первой мировой войной и чередой революций). Но этого не произошло. Публика открыла для себя несколько художественных течений, запретных в годы «застоя», десяток-другой новых имен художников, несколько новых галерей и музеев, и этим перемены ограничились. Многих деятелей и ценителей искусства это разочаровало, и о пошла речь о том, что искусство вообще умерло, раз неспособно реагировать на глобальные социальные перемены.

Но Запад это прошел после Второй мировой войны, когда ожидания были столь же велики, а результат так же разочаровал многих (достаточно вспомнить эссе Ролана Барта «Смерть автора»). Но при этом сейчас по всему миру многие тысячи профессионалов и многие миллионы любителей занимаются искусством, так о какой его смерти может идти речь?

В том, что в искусстве уже около века (считая от «квадратов» Казимира Малевича и первых экспериментов Марселя Дюшана с бытовыми предметами) не появляется ничего принципиально нового, нет ничего удивительного, а тем более рокового. Сколько столетий не появлялось ничего принципиально нового во времена готики или барокко? «Служенье муз не терпит суеты», искусство никуда не торопится, и уж тем более оно не обязано реагировать на все социальные потрясения.

Марсель Душан.

Марсель Душан. «Фонтан»

Читать далее

Картина продана коллекционеру из США

Картина «Отражение. Нормандия» продана с помощью интернет-галереи Saatchi Art американскому коллекционеру. Мне, как автору, безумно приятно, что на таком огромном международном сайте коллекционера заинтересовала именно моя картина.

Не буду сейчас вспоминать, чего мне стоило оформить вывоз картины зарубеж. Хотя очень хочется сказать огромное спасибо курьеру компании UPS Эдуарду за его терпение, понимание и помощь. Вот одна из его реплик:«Не волнуйтесь, с первого раза за границу никто не оправлял».

Зато теперь у меня есть опыт работы иностранными интернет-галереями, а также понимание, насколько по-разному устроен наш арт-рынок и их. Пару месяцев назад российская интернет-галерея Art-ICON продала мою картину «Отражение. Снегири». Обе картины входили в одну серию работ «Отражения», однако цена продажи в России и в США отличается в 3 раза.

В такой ситуации, несмотря на весь свой патриотизм, хочется активнее продаваться за рубежом. Но остается надежда, что мои картины и на Родине будут востребованы.

Otr-Normandia

Картина Наталии Новиковой «Отражение. Нормандия». Х.м., 80х60, 2003 г.

ааиап

мваиврь