Тамара де Лемпицка — художник Арт-деко

В мае в Нью-Йорке состоялись торги Sotheby’s, на которых были представлены произведения импрессионистов и модернистов. Здесь бал правили картины художницы ар-деко Тамары де Лемпицки. Глядя на ее работы вспоминаешь фильм «Пуаро» с Девидом Суше в главной роли, погружаешься в эпоху Арт-деко с его тонким ароматом духов и четкими линиями даже в портретах. Ясность формы и цвета, налет гламура, но не современного из страз и синтетических блестящих тканей, а того, из 30-х годом, окутанного для нас нынешних неповторимым флером, присущи картинам Тамары де Лемпицки.

Топ-лотом торгов является картина Лемпицки «Телефон II» (1930), оцениваемая в 0,8–1,2 миллиона долларов. На ней изображена типичная гламурная дива 1930-х — с золотыми кудряшками, бровями «в ниточку», густо накрашенными алой помадой губами и холодным взглядом. Кроме этой картины, на аукционе появятся еще пять работ художницы. В их числе «Женщина в черном платье» (1923), которую специалисты Sotheby’s оценили в 500–700 тысяч долларов. По мнению исследователей творчества Лемпицки, на этой картине изображена Ира Перро (Ira Perrot), близкая подруга и, вероятно, любовница художницы. Полотно было написано, когда Лемпицка была совсем молодой и еще «нащупывала» свой стиль. На холсте стоит подпись «T. De Lempitzky» — в самом начале своей карьеры художница подписывалась мужской фамилией, считая, что собиратели произведений искусства гораздо охотнее покупают картины живописцев-мужчин.
Все работы Тамары де Лемпицки, выставленные на торги, происходят из коллекции известного немецкого дизайнера Вольфганга Йоопа (Wolfgang Joop).

Читать далее

Реклама

Дамы с фруктами Ольги Налетовой

Женский портрет — неисчерпаемая тема для художников. В каждую эпоху находились авторы, воспевающие красоту женского тела, и авторы, вглядывающиеся в ее душу. Не удивительно, что и в наше, как принято говорить, бурное время, авторы обращаются к этой теме.

Ольга Налетова. Антоновские яблоки.

Художник Ольга Налетова удивительным образом сочетает в своих картинах любование телом и восхищение духом. На ее картинах оживают средневековые красавицы. При этом, сама манера письма, работа с цветом и фактурой краски весьма современна и самобытна. Читать далее

Картины Наталии Новиковой на страницах журнала «Ostwind»

Некоторое время назад вышел в свет июньский номер немецкого арт журнала «Ostwind». Некоторое время назад я получила официальное приглашение от издательства Richard Verlag и теперь на страницах этого журнала размещена публикация о моем творчестве.

Журнал «Ostwind» публикует произведения современных, перспективных писателей и художников. По словам авторов, цель его в том, чтобы ознакомить зрителей и читателей Германии, Австрии и Швейцарии (в этих станах выпускается данный журнал) с творчеством художников сегодня, оказывать помощь талантливым живописцам в организации выставок, продаж, заключении деловых контрактов и многое другое. Очередной номер журнала вышел в Нюрнберге на немецком языке, в июне этого года, тиражом около 25 тысяч экземпляров и был распространен среди заинтересованной части читательской аудитории, в том числе среди персонала европейских художественных галерей, выставочных залов, частных коллекционеров, специалистов медиа- и арт-менеджмента, многочисленных обществ художников, учебных и научных заведений искусства, на крупнейших выставках и арт-мессах Европы. К публикации было приглашено 15 художников, представляющих различные направления, обладающих яркой индивидуальностью и имеющих шанс завоевать интерес западноевропейского зрителя.

Вот перевод с немецкого текста публикации.

Наталия Новикова родилась в 1976 году в Москве. В 1998 г. окончила художественно-графический факультет Московского Педагогического Государственного Университета им. В.И.Ленина.
В 1999 г. вступила в Международный Художественный Фонд. В мае 2006 г. стала членом Союза Дизайнеров Москвы. В сентябре 2007 года Наталия Новикова получила серебряную медаль «Участник ВВЦ».
Работы находятся в частных собраниях в России, на Украине, в Белоруссии, США, Венгрии, Великобритании, Японии, Израиле.

Основные выставки:
1999-2000 г. — «Весенний салон» на Кузнецком мосту.
2001-2002 г. — выставка МСХ «Москва глазами молодых» в выставочном зале «На Солянке» и в зале «Новый Манеж».
2007 г. — персональная выставка живописи в Московской Городской Думе.
2004-2009 г. — Выставка «Арт-салон ЦДХ» в ЦДХ на Крымском валу.
2004-2009 г. — Выставка «Рождественская ярмарка подарков» в ЦДХ на Крымском валу.

Контакты:
персональный сайт художника — www.novikova-art.ru
e-mail: natalia_novikova@list.ru

Статья «Ритмы города Наталии Новиковой» в журнале «Русская галерея XXI век»

Наталия Новикова родилась 9 ноября 1976 года в Москве. Первым своим педагогом считаю руководителя изостудии «Радуга» Алексея Алексеевича Клейдинса. Учась в изостудии, много работала в различных техниках  графика, гуашь, акварель, пастель. Участвовала в городских выставках. В 1993 году окончила Московскую Городскую Педагогическую гимназию. В 1998 году окончила художественно-графический факультет Московского Педагогического Государственного Университета им. В.И. Ленина.

Наталия Новикова. Дупло. 2005 г.

В 1999 году вступила в Международный Художественный Фонд. В мае 2006 года стала членом Союза Дизайнеров Москвы. Работы находятся в частных собраниях в России, на Украине, в Белоруссии, США, Венгрии, Великобритании, Японии, Израиле.

Наталия Новикова. За городом. 2007 г.

Читать далее

Аромат плодов

Аромат — это нечто неуловимое, воспринимаемое не столько органами чувств, сколько памятью и нашим подсознанием. Аромат женщины будит в мужчине желания, аромат цветов — приятные воспоминания.

Что несет нам аромат плодов? Возможно он возвращает нас к своим корням, к земле, породившей и эти плоды и нас самих. А может просто напоминает нам о хорошем застолье и вкусной еде. В любом случае этот аромат будоражит в нас некие чувства, воспоминания, желания.

В своей серии работ «Аромат плодов» я стремилась всколыхнуть в зрителе подобные эмоции. Визуальной картинкой повторить воздействие запахов на наши чувства и воспоминания. Заставить зрителя не просто любоваться увиденным, но и задуматься о чем-то своем.

Наталия Новикова. Аромат груш. /можно купить/

Обычно подобные задачи художник ставит перед собой, работая над сюжетными композициями, историческими или жанровыми сценами. Вряд ли кому-то прийдет в голову заставлять зрителя думать, размышлять, вспоминать, мечтать у картины с изображением, казалось бы, незатейливого натюрморта. Но в этом и была сложность и привлекательность задачи: простым сюжетом увлечь зрителя, выйти за рамки «назначения» натюрморта (изображать натуру, констатировать факт).

Наталия Новикова. Купание помидоров./ можно купить/

Возможно по этим причинам в данной серии работ я обращаюсь к импрессионизму и фрескам. Световые и цветовые эффекты, фактура, письма, зыбкость формы, — все работает на одну основную идею: заставить картину источать аромат. Не буквально «пахнуть», а как ароматы влиять на подсознание, будоражить чувства не только визуальным образом.

Наталия Новикова. Виноградный свет. /можно купить/

Сложно сказать, насколько мне удалось справиться с поставленными задачами, это покажет время и сам зритель. Могу лишь отметить, что работала я над этой серией картин с огромным удовольствием, и, как говорится, на одном дыхании.

Я, художник Наталия Новикова, желаю вам приятного просмотра!

Поп-арт у вас дома

Поп-арт – направление в изобразительном искусстве 1950–1960-х годов. Это реакция художников на современную им массовую культуру общества потребления. Название имеет две основные трактовки: сокращение от popular art (англ. популярное искусство) или звукоподражание (pop – хлопок, удар). Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники, как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Энди Уорхол и др.

Поп-арт – бездуховный стиль, недаром его хрестоматийные образцы – работы Энди Уорхола – готовились с помощью тиражной техники. Эталонный прием Уорхола – бесконечное повторение одного и того же образа, будь это даже сцены катастроф, – заставляет аудиторию относиться к изображению безразлично, не испытывая эмоций.

Поп-арт – стиль яркий, вызывающий и часто провокационный. Для своего интерьера подобный стиль выбирают неординарные и творческие личности. Чрезмерности в поп-арте практически не бывает – здесь смешиваются различные цвета и фактуры. Тем не менее и у поп-арта в дизайне есть свои правила и характерные черты: кислотные цвета, обилие пластика, неоновая подсветка и глянец.

Стены обязательно должны быть яркими, а в идеале – разных цветов и даже фактуры. О гармонии в классическом понимании лучше забыть сразу. Хорошим решением может быть вариант, когда одна из стен все-таки остается светлой, еще две – контрастных ярких, не натуральных цветов, а четвертая – выполнена в фирменной уорхоловской технике многократно повторяющегося мелкого узора. Однако лучше всего яркие детали будут смотреться на светлом глянцевом фоне.

С чем вам еще прийдется смириться – так это дефицит мебели. То есть, конечно, типичные для 60-х диваны и кресла округлых форм и ярких цветов, пуфы и небольшие столики допустимы и даже приветствуются. Но вот шкафов быть не должно: хранить вещи прийдется в нишах, на подиумах или во встроенных шкафах.

В качестве декора можно использовать практически любое проявление современной поп-культуры. Рок-музыкант Мик Джаггер как-то заметил: «Если хочешь знать, что было самым популярным в тот или иной период, посмотри, что в это время рисовал Уорхол». Подумай о том, что популярно сейчас, и используй эти предметы в декоре, утрируя и изменяя их.

Изображения поп-идолов, героев комиксов, логотипы известных брендов – все это будет смотреться уместно в интерьере в стиле поп-арт. Вполне допустимы дизайнерские решения ввиде вырезок из комиксов в пластиковых рамах ярких цветов.

Пластиковые фигурки китайского производства в таком интерьере легко заменяют скульптуру, а куски обоев с ярким поп-арт рисунком — живопись. Даже собственные фотографии желательно предварительно обработать в фотошопе, прежде чем повесить на стену.

Никто не станет отрицать, что эстетикой сегодняшнего дня, хотим мы ли мы этого или нет, является гламур. А глянец – синоним и обязательный атрибут гламура – теперь возвращается в наш дом в самом буквальном смысле. На такой волне стиль интерьера в духе поп-арт – наследие психоделических 60-х – переживает сейчас второе рождение.

Но даже если вы — яркая и неординарная личность, подумаете несколько раз, прежде чем оформить свой дом в силе Поп-арт. Скорее всего долно вы в таком интерьере находиться не сможете. Несмотря на всю свою привлекательность и яркость, данный стиль всеже лучше оставить для клубов, кафе и модных бутиков.

В статье использованы материалы с сайтов:
www.designstory.ru, sob.ru, www.sobesednik.ru, www.eremont.ru, www.salon.ru

Художники — авторы самых дорогих в мире картин

Художники — авторы самых дорогих в мире картин

1. Пабло Пикассо. Мальчик с трубкой. 1905. Sotheby`s. 05.05.04.
104,17 млн долл.

2. Густав Климт. Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912. Christie’s. 08.11.06.
87,936 млн долл.

3. Френсис Бэкон. Триптих 1976. Sotheby’s. 14.05.08.
86,281 млн долл.

4. Винсент Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890. Christie’s. 15.05.90.
82,5 млн долл.

5. Клод Моне. Пруд с кувшинками. Christie’s. 24.06.08.
80,45 млн долл.

6. Огюст Ренуар. Мулен де ля Галетт (Moulin de la Galette). 1876. Sotheby`s. 17.05.90.
78,1 млн долл.

7. Питер Пауль Рубенс. Избиение младенцев. Sotheby`s. 10.07.02.
76,7 млн долл.

8. Марк Ротко. Белый центр (желтый, розовый и бледно-лиловый на темно-розовом). 1950. Sotheby’s, 15.05.07.
72,8 млн долл.

9. Энди Уорхол. Зеленая автокатастрофа (Горящая зеленая машина — 1). 1963. Christie’s. 17.05.07.
71,720 млн долл.

10. Поль Сезанн. Натюрморт с кувшином и драпировкой. Ок. 1893–1894. Sotheby`s. 10.05.99.
60,5 млн долл.

Самые дорогие работы ныне живущих художников

1. Люциан Фрейд. Спящий инспектор по пособиям. 1995. Холст, масло. 151,3 x 219. Christie’s. 13.05.08. Лот 37. Эстимейт: 25–35 млн долл.
Цена продажи: 30 (33,6) млн долл.

2. Джефф Кунс. Цветок из воздушного шарика (Пурпур). 1995–2000. Нержавеющая сталь, полупрозрачное цветное покрытие. 40 x 285 x 260. Christie’s. 30.06.07. Лот 12.
Цена продажи: 12,92 млн фунтов.

3. Дэмиен Херст. Золотой телец. 2008. Чучело быка, 18-каратное золото, стекло, позолоченная сталь, силикон, формальдегид, постамент из каррарского мрамора. 215,4 х 320 х 137,2 см. Эстимейт 8-12 млн фунтов. Sotheby’s. 15.09.2008. Лот 13.
Цена продажи: 10,3 млн фунтов.

4. Джаспер Джонс. Цифра 4. 1959. Холст, масло, см.т. 51,4 х 39,4. Сhristie’s. 16.05.07. Лот 25.
Цена продажи: 15,5 (17,4) млн долл.

5. Герхард Рихтер. Свеча. 1983. Холст, масло. 95 x 90. Эстимейт: 1,8–2,5 млн фунтов. Sotheby’s. 27.02.08. Лот 8.
Цена продажи: 7,1 (7,97) млн фунтов.

Самые дорогие картины русских художников

1. Марк Ротко. Белый центр. 15.05.2007.
65 млн долл.

2. Казимир Малевич. Супрематическая композиция. 03.11.2008.
60 млн долл.

3. Василий Кандинский. Фуга. 17.05.1990.
19 млн долл.

4. Алексей Явленский. Шокко в широкополой шляпе. 05.02.2008.
8,4 млн фунтов.

5. Хаим Сутин. Мужчина в красном шарфе. 05.02.2007.
7,8 млн фунтов.

6. Марк Шагал. Юбилей. 17.05.1990. 13,5 млн долл.

7. Наталия Гончарова. Цветы. 24.06.2008.
5,52 млн фунтов.

8. Константин Сомов. Радуга. 13.06.2007.
3,3 млн фунтов.

9. Илья Кабаков. Жук. 28.02.2008.
2,6 млн фунтов.

10. Владимир Баранов-Россине. Ритм (Адам и Ева). 24.06.2008.
2,72 млн фунтов.

11. Александр Яковлев. Портрет Василия Шухаева в его студии. 13.06.2007.
2,5 млн фунтов.

12. Иван Айвазовский. Американские суда у скалы Гибралтара. 13.06.2007.
2,4 млн фунтов.

Материал взят из статьи «Художники — авторы самых дорогих в мире картин».
Журнал
«Русская галерея XXI век», № 1-2 2009 г.

Птичьи гобелены

Кто бы мог подумать, что можно изучать птиц по гобеленам. Тем не менее, такое возможно. Благодаря стараниям художника Анастасии Удовой у любителей птиц добавилось «наглядного материала». Как мазки краски, ложатся на ковер цветные штрихи нитей, создавая такие живые и теплые образы разных птиц.

Вот Краснохохлатая куропатка со смешным именем «Руруль» распушила свой хохолок, Желтая цапля высматривает лягушек, Сойка сплетничает с подружками, Длинноносый крохаль цинно проплывает по воде.

Анастасия Удова. Гобелен "Руруль. Краснохохлатая куропатка"

Анастасия Удова. Гобелен "Желтая цапля высматривает лягушек"

Анастасия Удова. Гобелен "Сойка. Лесной постовой"

Анастасия Удова. Гобелен "Длинонносый крохаль на воде"

По словам автора, она ткала свои гобелены по иллюстрациям из Атласа птиц. Но удивительно не это, а то, что иллюстрации были черно-белые, и лишь по текстовых описаниям можно было смутно представить, какого цвета та или иная птица.

На мой взгляд, птицы получились очаровательные, они прекрасно смотрятся как все вместе, так и по отдельности. Они дарят прекрасное настроение, и уже не важно, такого ли они цвета на самом деле.

Анастасия Удова. Гобелен "Зеленая сойка. Экзотика"

Анастасия Удова. Гобелен "Камышовка. Желтый гость"

Анастасия Удова. Гобелен "Камышовая амадина. Модница"

Смысл коллекционирования (проблема «голого короля»)

Сталкиваясь с вопросом приобретения произведений современного искусства, у покупателя сразу возникает проблема: адекватна ли цена уровню художественного мастерства. В этом вопросе, в первую очередь, потребитель руководствуется собственным вкусом. Кто-то действует по принципу «чем дешевле, тем лучше» и устремляет свои стопы на всевозможные ярмарки и набережные, где за сто долларов можно приобрести новоиспеченных айвазовских и шишкиных. А что делать, если художественные пристрастия не совсем надежны и рискуешь украсить интерьер дома или офиса произведениями, вызывающими ироническую улыбку знатоков и тонких ценителей искусства?

Иные начинающие коллекционеры ориентируются на имена, многократно повторяемые в рекламе, но и тут, увы, их поджидают неприятные сюрпризы: для некоторых художников пиар — лишь способ скрыть свою творческую несостоятельность. Есть еще один вариант добиться объективности в непростой художественной ситуации: обратиться к книге «Единый рейтинг современных художников и мастеров ХVIII—XX веков», но и она не для всех является панацеей.

Доверяя составление художественной коллекции навязчивым галеристам и искусствоведам, тоже можно попасть впросак, если они низкопрофессиональны и малокомпетентны или ангажируют «своих» протеже: земляков, друзей, знакомых и т.д. Согласитесь, что не все врачи — целители, есть и такие, которые уныло отсиживают положенное время в районных поликлиниках, с ненавистью глядя на надоедливых больных. То же и в среде галеристов. За консультациями следует обращаться к авторитетным специалистам, коих в Москве, к счастью, немало. И тогда ваша коллекция принесет немалые дивиденды уже в самом неотдаленном будущем. Одно дело покупать антикварные произведения искусства, стоящие, подчас, целое состояние, рискуя выложить его за подделку. Другое дело приобрести картины или скульптуры современных художников за умеренную цену, а через некоторое время узнать, что эти произведения признаны шедеврами, и их реальная стоимость поднимается в десятки и сотни раз, как происходит со Зверевым, Яковлевым, Бритовым, Юкиным. Со временем истинные ценности только дорожают.

Если вы решили обойтись без квалифицированного консультанта, тут вас и поджидает извечный вопрос: как отличить низкопробного художника от истинного живописца и в чьи произведения стоит вкладывать деньги на сегодняшнем арт-рынке? Перед нами не стоит задача называть имена наиболее интересных отечественных художников, тут многое зависит от вкусов и потребностей коллекционеров. Кого-то привлекает камерная кабинетная живопись, другому ближе монументальные исторические полотна. Любой из жанров современного искусства может быть представлен достойными именами.

Широкий резонанс и мощную поддержку в прессе на сегодняшний день получает актуальное искусство. Вышедшее в годы перестройки из подполья, оно уже двадцать лет иронизирует и мочалит социализм с его символикой, вождями и коммуналками. Это, конечно, остроумно и забавно, но высоким искусством явления доморощенного концептуализма назвать нельзя. Оно всего лишь грань общемирового космополитического художественного процесса, как правило, малогуманного… Здесь мы не говорим об истинных новаторах, перевернувших представление о современном искусстве. За сочинением же второразрядных объектов и инсталляций легко скрыть слабую художественную подготовку и даже простое неумение рисовать, что, в первую очередь, отличает художника от представителя других профессий. К примеру, писателя, не умеющего писать, никто покупать не будет. Скорее метафорой современного искусства, чем реальным случаем, является феномен Акашина в Поляковском «Козленке в молоке». В области современного изобразительного творчества это явление распространенное и нормальное. Глядя на некоторых известных «художников», хочется воскликнуть: «А король-то голый!»

Поразительнее всего, насколько отзывчивы на акции подобных «актуальщиков» средства массовой информации. Если кто-то где-то в качестве объекта искусства выставляет использованные гигиенические прокладки или нечто покруче, то обязательно это событие осветит телеканал «Культура» и прочие теле- и радиокомпании. С другой стороны, за пределами обзоров СМИ остаются выставки и арт-проекты, действительно достойные внимания.

Наталия Новикова

В последнее время набирает силу тенденция укрепления российского самосознания, патриотизма, реабилитации великорусской истории и правившей династии. И как следствие, обращение к российской школе живописи — уникальному явлению в мировой художественной культуре, синтезирующему академические традиции, многослойную лессировочную технику старых мастеров и восхищение русской культурой.

В связи с этим сложная ситуация складывается в области пейзажной живописи. Потакая вкусам коллекционеров, чье художественное восприятие сложилось на «классических» образцах Шишкина, Саврасова и Поленова из «Родной речи», плеяда мастеровитых художников берет за основу мотивы этих живописцев, будучи не в состоянии передать трепетную гамму чувств, вложенных мастерами XIX века в свои полотна. В результате рождаются «сувенирные» работы, архаичные для современного восприятия и не дотягивающие до уровня мастеров позапрошлого века. Поскольку каждая эпоха рождает свою стилистику, сегодня уже нельзя писать так, как писали в Древнем Египте, во времена Возрождения или в XIX веке. Наряду с этим есть много замечательных современных пейзажистов, в частности представители сложившейся во второй половине XX века «Владимирской школы живописи».

Наталия Новикова

Исходя из этого, мы можем посоветовать развивать, пестовать и обогащать свой собственный вкус, посещая собрания классического искусства Третьяковки, Пушкинского музея и т.д. Их стоит посетить вместе с вашими чадами, чтобы с юных лет воспитывать в подрастающем поколении культуру восприятия художественных произведений. Людям, желающим насытиться дорогим буржуазным искусством, а не дешевым супермаркетным артом, рекомендуем обратиться к Арт-Манежу, где представительствуют лишь самые преуспевающие галереи и профессиональные произведения современного искусства. В последнее время чрезвычайно повысился художественный уровень работ, выставляемых в ЦДХ и других выставочных залах Москвы.

Творческая деятельность в современном мире требует жертвоприношения со стороны художника. Ощутив в себе «искру божью», человек вступает на нелегкую стезю отстаивания своей индивидуальности, где так легко поддаться искушению, потакая вкусам невзыскательной публики. Гениальный художник может опережать свое время и его «открытие» подчас возникает лишь после его смерти, как произошло с Ван Гогом, Жерико, Модильяни, Гогеном и многими другими, чьи произведения при жизни не продавались, зато теперь они лидируют на мировых аукционах. Мнение зрителя и покупателя очень важно для поддержки творческой личности. Как правило, художники – люди ранимые, с болью переживающие свои неудачи. По каким-то им одним доступным законам они могут подсознательно своим творчеством прогнозировать политическую ситуацию в стране. Если ЦДХ переполняют изображения монстров – жди очередного путча. Творчество – сакральный акт, требующий одиночества и внутренней концентрации. Работая в замкнутом пространстве тишины своей мастерской, художник пребывает в вынужденной изоляции, где единственными собеседниками являются холст и краски. Занятия искусством рафинируют и истончают психику. Не случайно творческий путь избранных гениев заканчивался сумасшествием (Врубель, Федотов, Ван Гог, Гоголь и т.д.). Столь высокую цену приходится платить за свою неординарность. Чувствуя приближение к этой грани, А. С. Пушкин создал свое знаменитое: «Не дай мне, Бог, сойти с ума. Нет, лучше посох и сума…» и «Пиковую даму».

Хотелось бы вернуть благоговейное отношение к творчеству. Произведения искусства из объектов культового поклонения превращаются в товары массового потребления. В этом некоторые художники видят кризис общественного сознания. Не случайно патриарх и мэтр отечественной живописи Гелий Коржев принципиально не продает свои картины. Но это крайний случай и, скорее всего, единичный. В большинстве своем художники мечтают о покупателе-интеллектуале и щедром меценате, способном вкладывать деньги в творческое развитие мастера: арендовать выставочные пространства, просторные мастерские, предоставлять определенную натуру для работы.

Оксана Ермолаева-Вдовенко, искусствовед, член Союза художников России

/«Русская галерея XXI век», № 10-11 2009 г./

Детские образы в картинах Екатерины Ворона

Дети — необыкновенно трудная, но очень благодатная тема для художника. Трудная, на мой взгляд, по двум причинам. Во-первых, уговорить ребенка долго неподвижно находиться в какой-то позе практически невозможно. Наверное, по этому в работах художников часто можно встретить изображения спящих детей — миг творческой удачи художника. Во-вторых, детские образы требуют кроме профессионального мастерства еще и огромной любви и искренности.

Екатерина Ворона. Как Луна и солнце.

Все это можно встретить в пастельных работах Екатерины Ворона. Мягкость и тонкие цветовые переходы, свойственные пастели, как нельзя лучше подходят для работы на образами детей. В работах Екатерины часто можно увидеть портреты ее сына. Сквозь штрихи сквозит безграничная материнская любовь и нежность. Благодаря им, работы наполняются жизнью и внутренним светом. Читать далее