Владимир Сальников о современном искусстве

Очень понравилась точка зрения Владимира Сальникова на современное искусство, высказанная в интервью газете «Завтра». Пожалуй, я сама еще вернусь к этой статье, тут есть над чем подумать…

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО — это продукт культурной инженерии ЦРУ начала пятидесятых. Его создали специально против социалистического реализма, против советской культуры. После войны соцреализм был весьма влиятелен и в Западной Европе, Леже, например, писал фактически соцреалистические картины: строители, рабочие, устраивающие пикники на природе, — искусство, открытое народной жизни, трудящимся, борьба за мир — всё это было. Американцы противопоставили естественной экспансии советской гуманистической культуры, культуры страны-победителя, так называемую нью-йоркскую школу, абстрактных экспрессионистов. Это были подражатели европейских авангардистов и модернистов, в большом количестве приехавших в Америку в период Второй мировой войны. По большей части они были эпигонами европейских сюрреалистов: Миро, Макса Эрнста… Поп-артист Роберт Раушенберг учился у бывшего профессора Баухауза Йозефа Альберса. Хотя Альберс считал его самым плохим и бездарным учеником, фактически все работы Раушенберга — это баухаузовская пропедевтика Альберса: из использованных в качестве самостоятельных произведений баухаузовских упражнений получился вариант поп-арта. Читать далее

Реклама

10 распространенных заблуждений художников

Оксана Козинская разместила на своем сайте статью Nicholas Wilder о 10 распространенных заблуждениях художников и реальном положении дел. Для меня эта статья была очень интересна, ведь я тоже художник и мне не хочется быть в плену своих заблуждений. А избавиться от них можно только поняв, что это заблуждение. С любезного разрешения Оксаны размещаю здесь данную статью, вдруг эта информация будет интересна и полезна не только мне.

После того, как я собственными ногами истоптал мир арт бизнеса вдоль и поперек в течение трех десятилетий и проговорил с огромным количеством художников, галеристов и других специалистов арт рынка, мне стало очевидно реальное положение вещей. Привожу список наиболее распространенных заблуждений и соответствующие им реалии.

1 заблуждение: «У меня есть работы,  теперь все, что мне нужно  — это несколько имен и номеров, галерей и коллекционеров, которым будут интересны мои произведения, и все проблемы с продажами будут решены».
Реальность: Путь к успеху никогда не бывает мгновенным. Слишком многие художники считают, что единственное препятствие, которое стоит на их дороге, в том, что они еще не открыты, и что, как только «нужные люди» увидят их работы, мир поймет серьезность их таланта. Правда такова, что процесс получения известности и, в конечном счете, признания — это долгая игра. Только последовательный послужной список достижений и успехов к славе. Как и в любой другой профессии, вы начинаете с самого начала, показываете себя с течением времени, и постепенно получаете репутацию перспективного художника.

2 заблуждение«Мое искусство уникально! Ничего подобного никогда не было сделано раньше».
Реальность: Любое искусство уникально (если вы не занимаетесь копированием). Того факта, что произведение искусства является уникальным, или процесс, используемый для создания произведения искусства уникален, самого по себе  не достаточно, чтобы сказать, что ваше искусство значительно или заслуживает внимания. Создатели необычных или уникальных методик действительно могут рассчитывать на что-то, особенно если эти методики сложны и мало поддаются повторению. Однако,  это все скажется лишь на качестве, значимости и  распространению информации, но не всегда становится свидетельством того, что ваше искусство отличается от всех других искусств.

3 заблуждение: «Мое искусство само себя продаст».
Реальность: Не существует искусства, которое продает  себя само. Вы должны его продать. Это не означает, что нужно становиться и торговать  на углах улиц, но, скорее, участвовать в различных формах коммуникации или диалога вокруг своих работ,  демонстрировать, как его можно рассматривать с эстетической или интеллектуальной точки зрения, и что еще более важно, что оно  стоит того, чтобы  стать частью жизни других людей.

4 заблуждение: «Если я смогу выставиться  в Нью-Йорке (или Лос-Анджелесе, Лондоне, Берлине или… ( имя крупных международных арт-центров на ваш выбор), то все мои проблемы будут решены».
Реальность: Никакая выставка  не может определить успех. Ваши достижения как художника  — вот  то, что определяет успех, независимо от того, где Вы выставляетесь. Если слухи о вас и ваших работах передаются из  уст в уста (через социальные сети в том числе) – лишь это может стать гарантом настоящего успеха, и ваши работы,  в конечном счете, проторят себе дорогу на мировую сцену или куда вы захотите. Лучше всего, для начала добиться известности в своем городе или регионе, постепенно расширяясь, и затем только ваша карьера наберет мощи бросить вызов более заманчивым перспективам. Есть один опасный подвох в этом  — пожалуйста, внимательно относитесь к предложениям показать свое искусство в крупных городах или на популярных арт ярмарках, люди, делающие эти предложения, как раз играют на внутренних амбициях художников, которые верят, что «заграница  поможет».

5 заблуждение: «Все что мне нужно, чтобы получить известность в мире искусства – это заключить контракт с известной галереей».
Реальность: Аналогией этому заблуждению в деловом мире  может быть, как если у кого-то нет опыта, а он мечтает о должности генерального директора корпорации —  мы все знаем, что это невозможно. Правда такова, что вы можете надеяться разместить свое искусство  в крупную галерею, если оно  известно настолько, чтобы гарантировать вам там место. Вы должны понимать, что престижные галереи не показывают работы малоизвестных художников, чтобы сделать их известными. Как и в любой другой профессии, вы должны ориентироваться на те галереи, проводящие регулярные выставки художников и  которые соответствуют этапу карьеры, на котором вы находитесь в  настоящее время. Когда вы станете более успешным, все лучшие и лучшие галереи выразят заинтересованность в представлении вас или ваших работ.

6 заблуждение: «Мое искусство так же хорошо, как (имя известного художника на ваш выбор), поэтому я могу ставить такие же цены, как у него или, может быть, даже повыше».
Реальность: Если вы не получили еще широкой известности или находитесь на раннем этапе вашей карьеры, если ваши успехи не доказаны,  вы не можете заряжать такие же цены, как художники с именем, даже если ваши работы ничуть не хуже. В искусстве это является несомненным фактом ценообразования —  цена растет вместе с известностью. Разница между вами и известными художниками в том, что они востребованы, они уже продемонстрировали последовательное и неуклонное  создание качественных произведений или же добивались успеха и процветания в течение долгого времени. Независимо от того, какие бы диферамбы вам не пели в художественной школе, вы должны продемонстрировать, что вы способны производить качественное  искусство в течение длительного времени, прежде чем вы можете заряжать высокие цены. Одна или две успешных выставки не являются достаточным основанием для взвинчивания  цен, сопоставимых с ценами на хорошо известных художников.

7 заблуждение: «Как только я найду галерею или агента, я буду все свое время посвящать работе в мастерской».
Реальность: В современном мире искусства  художник  является частью процесса продаж. На самом деле, художник часто не менее важен, чем его картины, а иногда даже в большей степени, особенно в концептуальных направлениях. Люди, которые любят современное искусство и которые покупают или коллекционируют его, хотят знать, кто вы, что вы и все остальное. Вы в некотором роде нераздельны с вашими работами — это может быть и присутствие на вернисажах, и регулярные  контакты  с галереями, которые представляют вас,  и  участие в арт мероприятиях, дискуссиях, шоу, работа с журналистами или подготовка к  интервью,  чтение лекций и так далее. В том смысле, что вы  наиболее компетентный человек в мире, чтобы просветить людей о своей миссии и убедить их, что это достойная и заслуживает того, чтобы обратить на нее внимание.

8 заблуждение: «Любой человек может оценить стоимость искусства, если он что-то в этом понимает, в том числе  учителя, преподаватели, кураторы, критики и знакомые художники».
Реальность: Любой человек может составить свое представление о ценах на искусство, но в реальном мире продаж это не имеет никакого значения. Единственные люди, обычно квалифицированные, которые действительно могут оценить (в смысле, назначить правильную цену продажи) искусство — это те, кто имеет опыт работы в области  продажи искусства и оценивает его на регулярной основе, а не от случая к случаю, например, это  коллекционеры, которые серьезно и активно в течение многих лет собирают картины. Эти люди понимают суть законов арт-рынка, они учитывают не только  базовую  цену продажи, но  и массу других фактов, составляющих стоимость работы в условиях текущего  состояния рынка. Люди, у которых понимание искусства в основном интеллектуальное, научное или художественное, но которые активно не участвуют в  арт-бизнесе, часто составляют представление о стоимости работы на основе визуального воздействия, мнения, истории искусства, впечатлений, чувств и других нематериальных активов, которые имеют мало или ничего общего с реалиями арт мира.
Правда в том, что цены на искусство  основаны в гораздо большей степени на опыте, истории выставок и иных достижений художника в сочетании с фактами о современном рынке, чем  на визуальных или когнитивных компонентах, рассматриваемых отдельно от всего. Поручите оценку ваших работ  людям, которые имеют большой опыт в арт бизнесе и которые являются специалистами на рынке именно вашего вида искусства.

9 заблуждение: «Если я получил предложение от галереи, которая лучше, чем та, в которой я выставлен сегодня, я должен поднять цены».
Реальность: Повышение  цены вдруг без всякой причины, кроме того, что у вас есть запрос на экспозицию в новом месте, никогда не является хорошей идеей. Любой владелец галереи вам это скажет. Поверьте, если галерист знает, что ваши цены могут быть подняты несколько выше, он это сделает. Потому что только владельцу галереи известно, сколько его клиент готов потратить. И если на вас пошел спрос и другие галереи показывают удачные продажи, он первый поднимет цены на следующих выставках. Но повышение цен непосредственно перед выставкой  не только усложнит продажи, но  может очень сильно навредить, хотя изначально у вас и была  отличная возможность для продвижения вашей карьеры.

10 заблуждение: «Если поставить слишком низкие цены, люди не будут принимать меня всерьез, как художника»
Реальность: Нет ничего более далекого от истины. Люди принимают вас всерьез, как художника, если вы делаете качественное искусство, независимо от того, насколько высоко или низко вы его оцениваете. На самом деле, хорошее искусство  по разумной цене продается быстрее, чем хорошее искусство  по завышенной цене, вот и вся разница. Опытные коллекционеры постоянно в поисках хороших сделок, и единственная вещь, которую вы никогда не услышите от коллекционера – это то, что он отказался покупать качественную работу, поскольку она была оценена слишком низко.

Виноградов и Дубосарский. Мнение непричастного.

Две эти фамилии срослись на столько, что иногда их можно встретить написанными через дефис. Фамилии Виноградов и Дубосарский встречаются в прессе не часто, но звучат пафосно. Эти два художника весьма известны среди специалистов, искусствоведов, арт-критиком, но их имена почти невозможно услышать в разговорах обывателей, даже когда обсуждают очень известных или самых «продаваемых» современных русских художников. В таких беседах скорее прозвучат именя вроде Шилова, Церетели, Никаса Сафронова.

На самом же деле Александр Виноградов и Владимир Дубосарский совместно творят с 1994 года, выставляются много и в России и за рубежом, их работы продаются на Sotheby’s. Впечатляет так же список коллекций, в которых есть их работы. Вот он (на всякий случай):

Государственная Третьяковская галерея, Москва
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Московский музей современного искусства
Московский Дом фотографии, Москва
Музей актуального искусства Art4.ru, Москва
Ивановский областной художественный музей, Иванов
Ярославский художественный музей, Ярославль
Christian Dior Collection, Paris
Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Париж
Musée d’art contemporain, Авиньон
Secession, Вена
Haus fur Geschichte der Bundesrepublik Deutschland, Бонн
Scheringa Museum voor Realisme, Спанбрук, Нидерланды
Museo Arte Contemporanea (MACI), Изерния, Италия
Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Валенсия
The Nasher Museum of Art at Duke University, Durham, США
Museum of Fine Arts, Хьюстон, США
Фонд культуры «Екатерина», Москва
Фонд «Новый», Москва
Фонд «Новые правила», Москва

Когда в очередной раз их фамилии, попались мне на глаза, я решила все-таки познакомиться с из творчеством и составить об их работах свое собственное мнение. К сожалению, не могу пока похвастаться, что видела их работы живьем. Мое знакомство пока ограничилось просмотром изображений в интернете, поэтому мнение мое страдает некоторой незаконченностью. И все же оно теперь у меня есть.

Как я и предполагала, работы этих художников не произвели на меня «сногшибательного» впечатления, но порадовало уже и то, что они не вогнали меня в депрессию, как часто бывает с творениями современных художников. Внеше их картины напомнили не советские плакаты периода застоя: локальные цвета, театральные позы, улыбки счастливых советских граждан. От плакатов их отделала тонкая грань — отсутствие идейной нагрузки, социального призыва, лозунга.

Картины Дубосарского и Виноградова с плакатной внешностью, но без плакатной идейности, превратились в киноафиши 60-70 годов. Однако сами авторы пытаются заложить в свои творения глубокий смысл, социальный подтекст. Но у них скорее получается поп-арт по-советски, нежели соцреализм 21 века. Используя образы известных людей, политических деятелей, художники, на мой взгляд, стремятся привлечь зрителя к своему творчеству, а не раскрыть какую то тему.

В 2011 году авторы порадовали нас портретной галереей ветеранов войны. Тема более чем достойная уважения, при чем решена она светло, радостно, позитивно ( в отличии, например, от портретов стариков того же Шилова). Но есть в их картинах какая-то неискренность, рекламность, шаблонность. Ведь точно так же они изображали голых барышень, милиционеров, братков, и даже предметы: столы, лимоны, снежки…

Не думаю, что ветеранов и проституток можно и нужно писать одинаково. Кто-то скажет, что это авторский стиль. Для меня же это признак ремесленичества.

«Не отказываясь от традиций советской живописи, точнее, взяв на вооружение основные требования социалистического реализма, Дубосарский-Виноградов возрождают жанр монументального тематического полотна. Они декларируют работу на заказ, хотя их заказчик – чаще всего виртуальный, несуществующий. Речь скорее идет о пресловутом социальном заказе, который художники пытаются угадать, живописуя то, чего хочется «простому народу». В рамках «заказа» художники иронично играют масскультурными клише, рекламными образами, создавая нового героя: позитивного и победоносного. Яркая палитра, «невозможные» встречи разнородных, разноплановых персонажей на плоскости холста – множат реальных поклонников виртуального заказа. Живописный язык Дубосарского-Виноградова, как и многих представителей актуальной живописи, понимают как текст, но, в отличие от предшественников, этот язык легко воспринимается зрителем без расшифровки. Обнаженные разнузданные трактористки; Гельмут Коль на свадьбе молодых немцев; романтичные и значительные герои – Ельцин и Лебедь; Сталоне, рисующий позирующего Шварценеггера в кругу детей – веселые виртуальные фантазии (вполне в духе социалистического реализма) обнажают способ современного мышления со всеми его парадоксальными изгибами.» (Цитата Елена Селина
Текст к выставке «Актуальная русская живопись. 1992 – 2002.»)